[转帖]舞台摄影的技巧

世伟

舞台摄影的技巧 <br>
作 者：未知　　来源：未知 日期: 2004-12-15 <br><br><br>舞台摄影的技巧大致可分为两类，一是现场抓拍，即是利用舞台的现场演出抓拍；另一类是专场组拍，由演出单位专门安排时间给摄影者拍摄，场面、情节、镜头的组织均可由摄影者结合实际提出要求，选择和组织拍摄。现就现场抓拍谈谈摄影的方法和技巧。<br><br>１、为了把一台节目的主题及最有代表性的画面表达出来，最好在拍摄前，先看一两场演出，做到事先了解剧情、导演手法，舞台布景及灯光的变化，这样，拍摄计划及拍摄手法就可形成。如果条件不具备，起码也得弄到一张节目单，或向看过节目的人了解基本情况，尽量做到心中有数，把握好机会。<br><br>２、要熟练使用照相器材。拍摄前应对自己使用的相机熟悉，做到闭上眼睛也能准确变动光圈、快门和距离，并能在黑暗中装卸胶卷和换镜头。选择有内测光的相机，大光圈的定焦镜头，通常有一个50mmf1.2的标准头，85mmf1.4的中焦头，80-200mmf2.8的变焦头就够用了，一般场面用标准头，中景局部用85mm中焦，特写用长焦。使用的胶卷一般用100至800度的灯光型胶卷，因舞台灯光的色温低，颜色偏红。如果用灯光型胶卷可以解决因色温低造成色彩偏差的问题。如改用日光型的胶卷拍摄，就得用雷登80-85滤色镜，套在镜头前拍摄，克服因色温低造成偏红现象。<br><br>３、掌握好舞台灯光。舞台上的灯光种类分为面光（正面光）、耳光（舞台前两侧）顶光、侧光、后光、流动光、脚光和追光。因此，要根据灯光的效果配合演员的造型位置来选择使用。<br><br>灯光的测定是根据大幕拉开后，演出开始灯光由暗到明，待灯光基本稳定，然后来测定曝光数据。测光时应对演员的脸部和手臂曝光为主，并以主角为主。因舞台上的灯光和舞台前区较亮，后区较弱，因此在选择曝光数据时要在正确曝光数据基础上再偏多半档或一档，以补足弱光区，一般在舞蹈，武打等动作较快，可先定速度，后定光圈，选择的速度是根据画面效果的要求而定，如需达到动作清晰效果用1/125秒或1/60秒。需达到动感效果时用1/30、1/15秒或更慢一点速度即可。而演唱和戏剧等动作较慢或前后物有一定景深，可先定光圈，后定速度。<br><br>灯光的选择和运用，是随剧情变化而变化的，灯光位置是相对固定的。演员也是有变化又相对固定的，因此抓拍时就得在灯光、演员的变化和固定中，抓取精彩的镜头，在明亮的表演区只能抓拍到光线平淡的画面。而在舞台左右或边幕表演区，可充分利用侧光，流动光或顶光勾出的轮廓光，抓拍出侧光、侧逆光或大逆光的艺术效果。<br><br>表演区的选择，通常的演出都以舞台中央作为主要表演区，常称主台，灯光的铺设较集中明亮，而台左台右常称副台，灯光较主台暗一些。戏剧的表演主要在主台，表演造型也多数选择主台，而话剧、舞蹈的表演除选择主台表演区外，也常选择左右副台表演区。<br><br>舞台的演出是有规律可循的。如戏剧的表演比较程式化。较易于掌握，通常在表演告一段落时就来一组“扎架造型”，如广东粤剧，在造型时必定配合称“四鼓头：仓仓，钹钹，仓仓钹仓” 的锣鼓点来造型。演员的造型必须在这四拍子的锣鼓音乐的最后一拍“仓”定型，拍摄者必须在第四拍锣鼓敲响时，即按快门。而舞蹈的造型也是根据主旋律音乐或主要人物的形象音乐进行的，同时舞蹈的动作，常出现连续出现二至四次，如“单人舞或芭蕾舞主角常出现跳跃大分腿二至三次，通常都是从舞台的后区左右角向前台的右左角对角腾跳也有从前台自左至右或从右至左横跳。一些集体舞也常出现向左、右、前、后重复扬手踢腿或转动。舞台上的一切表演都与音乐的旋律节奏相配合，拍摄者懂得一点音乐，拍摄时注意听锣鼓点，节拍和音乐旋律就能抓拍到理想的画面，掌握好演出的规律。<br><br>除了正常的抓拍外还可以掌握几种舞台的特技摄影。<br><br>１、在同一底片上多次叠摄，采用这一技巧的前提是相机必须有重摄装置，用脚架固定相机，舞台背景是灰暗的。事先物色好有代表性的人物或者组合角色。在取景器的画面中有计划地安排位置选择，一个个动作重摄于底片上。此拍摄方法也可以在拍完舞台人物的底中与室外的夜景，如月亮或特殊的景点重拍一起。多次叠摄作品产生特殊效果。<br><br>２、利用舞台频闪灯的特殊效果拍摄舞蹈连续动作，舞台用频闪灯与闪光灯的光源基本相同，以1/4秒或1/2秒速度频闪，因此，舞蹈演员在舞台上的连续动作，可以运用相机的B门把它拍摄下来，因为使用频闪灯时舞台的其他灯光是关闭的。只有频闪灯的效果。<br><br>３、除了以上两种特技拍摄方法外，还可以使用现代的特殊滤镜，拍摄出不同的艺术效果。如用高速滤镜可以摄出追随效果，用空心滤镜可以拍摄出周围虚幻，中间实的效果，用多彩镜可以摄出幻彩效果等。 <br><br>

遐想2001

不错 支持一个了